Un molde de ‘Maelo’ Rivera sale del pastizal a un altar salsero - José Rodríguez



Por José Rodríguez
Especial para ArtesaníaBoricua.com

El pasado viernes, 13 de mayo, se cumplieron 29 años de la muerte del Sonero Mayor, Ismael ‘Maelo’ Rivera, y en conmemoración, en el conocido negocio salsero El Balcón del Zumbador en Cantera se develó un busto creado con el molde original de la escultura del ‘Sonero Mayor’ que se encuentra en la Plaza de los Salseros en Santurce.



“El molde estaba bota’o, tirado en un pastizal, entonces una persona lo encontró y me lo trajo, y yo todavía no lo creo. Cuando el apareció con ese molde en las manos yo lo miré y le dije ‘tú estás loco, ¿qué es eso?’ porque él no sabe lo que es esto. Para mí esto vale un millón de pesos”, dice Rafael García, propietario del Balcón del Zumbador.

“Una amiga de mi hija Melba, que prefiere mantenerse en el anonimato, fue la que restauró y pintó el molde, basado en una foto de Maelo que yo le enseñé. Esperamos poder seguir mejorándolo”, dijo García durante la actividad de revelación en su negocio, en la que se dieron cita familiares de Ismael Rivera.


Pero la revelación del busto no fue el único homenaje a ‘Maelo’, quien murió el 13 de mayo de 1987 y desde entonces, cada año, a su tumba asisten familiares, amistades y fanáticos de su música a rendirle tributo.

“Siempre hay que recordar a ‘Maelo’, es una figura de la historia de nuestra música y tenemos el deber de cumplir con su aportación y recordarlo como todo Cangrejero, puertorriqueño y latinoamericano debe ser”, dijo el profesor Lester Nurse Allende, quien cada año se da cita en la tumba del intérprete de “El negro bembón”, “Quítate de la vía Perico” y “Las Tumbas”, entre muchos otros éxitos.

Para el año que viene, cuando se cumplan 30 años de la partida de Maelo, ya se está planificando una actividad de mayor envergadura, dijo Nurse Allende.

“Tenemos que ser agradecidos con aquellos que aportan a nuestra cultura”, agregó.

Entre los asistentes al cementerio de Villa Palmeras estuvo también Albert Centeno Díaz, natural de Aguas Buenas quien el día del entierro en 1987 llegó a la Calle Calma, ahora Calle Ismael Rivera, con un radio cassette que tocaba los éxitos de Maelo.

Desde entonces, este humilde obrero de la construcíon no ha dejado de asistir por 29 años al día de recordación o del natalicio del salsero, así como a las Fiesta de la Santa Cruz, organizadas por la Fundación Ismael Rivera en la calle que ahora lleva el nombre del artista.

El pasado viernes en la noche cientos de personas se dieron cita allí para recordar a Maelo con un rosario cantado por Chico Sanjurjo y su grupo. Rivera era devoto del Cristo Negro de Portobelo en Panamá, un pequeño poblado costero del país centroamericano fue donde Maelo se topó con su “negrito lindo”, a quien le cantó El Nazareno.

Y claro está, la música no podía faltar en un tributo al Sonero Mayor, y en esta edición de las Fiestas de la Santa Cruz, fue Tito Matos junto a su Viento De Agua el encargado de poner a gozar a los presentes.


La marímbula: el piano de pulgar cubano - Jon Griffin



La marímbula pertenece a la familia sanza cuyos orígenes están en la culturas del África Subsahariana bantú. Los instrumentos sanza producen el sonido punteando o percutiendo sobre las laminillas de metal. Los sanza también incluyen la calimba o piano de pulgar africano. A diferencia de la calimba, la marímbula se afina fácilmente, para darle un uso tanto armónico como rítmico.

En esencia, la marímbula es una caja grande de madera con orificios en la parte delantera. Hay un puente sobre el que reposan las laminillas. Sobre dicha pieza, hay una barra de presión que mantiene las laminillas en su sitio. Al puntear las laminillas de metal, la vibración del sonido pasa por el puente hacia el cuerpo hueco del instrumento. La caja actúa de resonador para amplificar el sonido.

Para afinar el instrumento, el músico afloja la barra de presión de la marímbula y desplaza las laminillas hacia arriba y hacia abajo. De esta forma, se modifica con eficacia el sonido hasta alcanzar el tono deseado. Por lo general, se sienta a horcajadas sobre la caja y puntea las laminillas.

Izzy Sanabria: El portavoz de la salsa - Juan Carlos Chávez




Por Juan Carlos Chávez
CENTRO Tampa Publicado en: December 3, 2015Actualizado en: December 8, 2015 at 09:41 AM
TAMPA -- Poco antes de cumplir 18 años, Izzy Sanabria ya ganaba su propio dinero. Lo hacía decorando vistosos carteles, diseñando grabados en algunas vitrinas de pequeños negocios, en el Bronx, y trabajando en horas de la noche en el mítico club neoyorquino Tritón.

Era fines de la década de los cincuenta y se respiraban épocas de transformaciones. Sanabria se recuerda en ese entonces como un tipo que, a pesar de su juventud, parecía estar curtido por el tiempo. No le tenía miedo a nada porque estaba decidido a ser alguien en la vida. Su rebeldía era necesaria.

“Tenía, además, una personalidad extrovertida. Siempre me comporté así, desde la escuela”, dijo Sanabria en una entrevista con CENTRO Tampa.

Sanabria es hijo de un matrimonio puertorriqueño que se trasladó a Nueva York en un momento en el que las ciudades empezaban a engullir nuevas oleadas de inmigrantes y las noches de fines de semana se convertían en espacios que intentaban trascender en el tiempo.

Hoy, el nombre de Izzy Sanabria, conocido como Mr. Salsa, está íntimamente ligado al género de la salsa y, cómo no, a la Fania All Stars, la agrupación más emblemática de todas las que han pasado por el curso de este género musical.

La Fania es una orquesta que marcó un antes y un después en la industria del entretenimiento a partir de los sesenta. Desde su arranque fue integrada por los cantantes y músicos más destacados del sello Fania Records. La lista es tan larga como nutrida: Tito Puente, Celia Cruz, Larry Harlow, Ray Barretto, Ralfi Pagan, Luis ‘Perico’ Ortiz, Bobby Valentin, Ismael Miranda, Rubén Blades, Héctor Lavoe, Willie Colón y muchos otros.

La disquera Fania fue creada por el abogado, empresario y promotor estadounidense Jerry Masucci, y el músico de origen dominicano, Johnny Pacheco. Fania, como sello, fue conocida dentro y fuera de Estados Unidos por sus esfuerzos descomunales en la promoción de la música salsa para llevarla a un nivel que fuese tan reconocido y valorado como otros géneros musicales.

Desde su experiencia personal, Sanabria fue el maestro de ceremonias de la Fania All Stars y, durante más de dos décadas, el artista que, con rigor y destreza, se hizo cargo del diseño de las carátulas de los discos de la orquesta.

Las carátulas que empezaron a asomar en el mercado con la firma de Sanabria no sólo reinventaron la forma de presentar los álbumes del género. También fortalecieron el universo musical latino en Estados Unidos.

La primera carátula que hizo Sanabria fue para el disco de Pacheco, titulado ‘Pacheco y su charanga’. El diseño fue inspirado por el estilo y los movimientos de Pacheco cuando éste tocaba su flauta en sus conciertos.

Sanabria conoció a Pacheco en Tritón y, cuando el dominicano se abrió paso con su disquera Fania junto con Masucci, Sanabria fue nombrado director de arte.

Con su febril talento creativo, o acaso una pasión desmedida, Sanabria rompió esquemas de la mano de un talento que descubrió -de manera temprana- cuando era un adolescente.

“Irónicamente mi carrera entera fue establecida en los primeros tres o cuatro años de la escuela secundaria”, dijo Sanabria, quien vive en Tampa y atesora en su hogar los recuerdos de la época de oro de la salsa. “Sabía lo que quería hacer”.

La interpretación artística de Sanabria sobre la salsa y la naturaleza del género hizo posible un viraje que potenció su identidad cultural. El propósito era que la opinión pública estadounidense, y los medios de prensa en general, observasen con otros ojos a esa cultura rítmica y de origen hispano, llamada salsa, que se multiplicaba en las calles del Bronx.

Y es que, según Sanabria, no había promoción ni tampoco interés comercial para mejorar la estrategia de ventas de la salsa.

“No se escuchaba una voz ni teníamos peso en los medios estadounidenses, es decir en inglés, porque nosotros éramos hijos de una generación que llegó al país a trabajar y muchos de nuestros padres no tenían educación o preparación universitaria”, puntualizó Sanabria. “Los americanos ignoraban la salsa porque la veían como una música media negra y algo vulgar. Todo eso fue cambiando”.

En su larga trayectoria como maestro de ceremonias, Sanabria le puso clase y originalidad a las presentaciones de la orquesta Fania alrededor del mundo. Al mismo tiempo logró contagiar al público con un toque de alegría y originalidad que llamaba la atención de todo aquel que lo veía parado en el escenario. Su versatilidad y entrega quedaron para la historia en antiguas colecciones, como se puede escuchar en los discos “Live at the Cheetah” (1971) y “Live at the Yankee Stadium” (1973).

El éxito y la popularidad de Sanabria llegaban al punto de que algunos músicos se ponían celosos por el protagonismo que irradiaba su presencia. Sanabria revive aquellas experiencias con un toque de gracia y ninguna cuota de resentimiento.

“Quizá hubo cierta envidia o recelo por la publicidad que estaba tomando, pero es que yo desarrollé una personalidad, un personaje, en diferentes ambientes”, dijo Sanabria. “Era el maestro de ceremonias de la Fania y tenía que hacer mi trabajo. Eso incluía mis trajes, mi tono de voz, lo que llevaba puesto. Pero algunos músicos eran muy serios porque tenían la influencia de la gente del jazz”.

Paralelamente a su trabajo en la dirección artística Sanabria fundó en los setenta “Latin NY Magazine”, una revista de culto que inmediatamente se convirtió en portavoz del género y las artes latinas en toda su expresión. Duró hasta mediados de la década de los ochenta.

“La revista llegó hasta el 85 y realmente hizo mucho”, indicó Sanabria, de 76 años. “El mayor orgullo es la cantidad de jóvenes que se expresaron en sus páginas y tuvieron la oportunidad de empezar en este medio”.

Aurora Flores, ex editora de “Latin NY”, dijo que la dedicación y entrega de Sanabria marcó un hito.

“Él hizo mucho por la salsa y el arte”, sostuvo Flores. “Nos abrió muchas puertas. Yo conocí, por ejemplo, a Tito Puente precisamente por una asignación de la revista. Fueron épocas muy bonitas”.

Rodrigo Balseca, un cineasta que está trabajando en un documental que se estrenará dentro de poco acerca de la obra e historia de vida de Sanabria, lo calificó de único.

“Izzy promocionó el nombre de la salsa y el género como pocos’, agregó Balseca. “Es un hombre que tiene mucho que contar”.

Muere uno de los bailarines folclóricos más importantes que ha tenido Cuba



Por Judith M. Hace 1 día 24

Juan de Dios Ramos Morejón, uno de los bailarines folclóricos más importantes que ha tenido Cuba, murió en la Habana, este martes 24 de mayo.

Conocido como “el Rumbero Mayor”, Ramos era el director de la agrupación “Raíces Profundas” y fue creador de un amplio repertorio de corte folclórico y popular.

Representó a Cuba en importantes escenarios del mundo, y formó a varias generaciones de bailarines dentro de su compañía “Raíces Profundas”.

Convertido ya en una de las figuras principales de la danza en Cuba, Juan de Dios Ramos insistía en que su trabajo era mostrar el folclor que viene del pueblo, de las raíces.

También afirmaba que los verdaderos intérpretes bailan de la cabeza a los pies, porque el baile nace del centro del cuerpo.

Nació en Lawton (La Habana) el 8 de marzo de 1935. Desde muy joven bailaba la rumba en un grupo conocido como “Los Moros Viejos”.

En 1962 pasa a formar parte del Conjunto Folclórico Nacional, donde desarrolla una excelente carrera como bailarín durante diez años.

En 1975 funda “Raíces Profundas”, su propia compañía de bailarines y músicos folclóricos.

Estudió con grandes maestros como el cubano Ramiro Guerra y el mexicano Rodolfo Reyes, y a lo largo de su vida profesional recibió varias distinciones por la Cultura Nacional.

¿De dónde proviene el término ‘guateque’ utilizado en los años 60 para referirse a una fiesta?



Alfred López

A través del apartado de contacto, Eva María Narváez me pregunta sobre el origen del término ‘guateque’ que se utilizaba en los años 60 para referirse a una fiesta.

Todos aquellos que comenzamos a tener una edad hemos escuchado en más de una ocasión a nuestros padres o abuelos referirse a las fiestas que se celebraban en casa como ‘guateques’.

Este término llegó hasta nuestro país a hacía finales del siglo XIX procedente del Caribe. Lo trajeron aquellos ‘indianos’ que se habían marchado unas décadas atrás para ‘hacer las Américas’ y solían volver con un buen capital.

Pero, como es habitual en esos casos, no solo traían dinero de su estancia en América, sino que las costumbres y palabras autóctonas le acompañaban habiéndolas integrado en su lenguaje coloquial. Guateque fue uno de esos casos.

Este término era el que se usaba en el Caribe para referirse a aquellas fiestas informales que se celebraban con familiares y amigos y en las que predominaba el baile, el jolgorio y sobre todo las comilonas, ya que se preparaban unos estupendísimos banquetes.

El carácter familiar de ese tipo de celebraciones es lo que hizo que cuando la palabra viajó hasta nuestro país se utilizase en un ámbito más íntimo y casero, designándose así a aquellas fiestas privadas que se celebraban en la intimidad de casa con un puñado de amigos y familiares.

En un principio en nuestro país se uso la palabra ‘guateque’ para llamar así a aquellos festejos con comilona incluida, después pasó al ámbito más íntimo de las fiestas familiares que se realizaban en casa, para acabar convirtiéndose a mediados del siglo XX en la típica fiesta juvenil que se celebraba con amigos y donde se bailaba las canciones de moda y se tomaban unos refrescos y canapés.

No hay un origen determinado de la etimología, aunque algunas fuentes apuntan a que el término ‘guateque’ procede del mukuchi, una lengua extinguida que hablaban los indígenas de la región de Mérida en Venezuela y que de ahí pasó a otros países del Caribe, para después llegar hasta nosotros.

Fallece Director de la legendaria Compañía Yoruba Andabo, Geovani del Pino Rodríguez



Geovani, fundador, cantante, percusionista, compositor, arreglista, productor musical y director, es de la estirpe de los grandes rumberos de siempre. La cultura cubana pierde a uno de sus grandes íconos

Juventud Rebelde
digital@juventudrebelde.cu
22 de Mayo del 2016 10:13:00 CDT
Su trayectoria como fundador, cantante, percusionista, compositor, arreglista, productor musical y director de Yoruba Andabo, durante más de 30 años, los hizo cultivar grandes logros al exponer universalmente los diversos géneros de la cultura afrocubana.
Bajo su destacada dirección, Yoruba Andabo difundió su arte en importantes plazas culturales en Cuba y el mundo a través de una significativa y multi premiada discografía, dónde los resultados artísticos que más valoraba, era el disfrute de los cubanos de sus músicas y danzas.
También impartió conferencias y clases magistrales en universidades y centros culturales.
Yoruba Andabo tiene su génesis en los muelles del puerto de La Habana, en 1961, cuando un grupo de trabajadores se reunía en fiestas y eventos artísticos sindicales. Ellos dieron origen al Guaguancó Marítimo Portuario, conjunto que, en 1985, inició una labor profesional con el nombre de Yoruba Andabo.
A partir de ese momento, ofreció su arte en diversas actividades de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba(UNEAC), trabajando para el sello discográfico EGREM, por iniciativa del compositor y cantante Pablo Milanés, y más tarde compartió escena con la cantante folclórica Merceditas Valdés.
Actualmente, integran la compañía Yoruba Andabo 16 artistas, entre cantantes, percusionistas y bailarines. El elenco cultiva los disímiles géneros musicales que conforman las raíces africanas de la cultura cubana, incluyendo también elementos de fusión con otros géneros musicales, creando voces y sonidos contemporáneos.
La discografía de Yoruba Andabo supera la veintena de títulos, muchos de ellos premiados nacional e internacionalmente. En el pasado Cubadisco obtuvo el Premio como Mejor álbum de música afrocubana.
Geovani del Pino es de la estirpe de los grandes rumberos de siempre. La cultura cubana pierde a uno de sus íconos.

Celia Cruz & Willie Colón ‎– Solamente Ellos Pudieron Hacer Este Álbum



Pistas
Usted Abuso
A Papa
Plazos Traicioneros
Pun Pun Catalu
Zambullete
Tu Y Las Nubes
Todos Somos Iguales
Dulce Habanera
Rinkinkalla
Burundanga

Efemérides de Hoy Barry Rogers



Barron W. Rogenstein
Barry Rogers nació el 22 de mayo de 1935 en el Bronx, New York. Rogers descendiente de una familia judío polaca, es considerado como "El primer trombón" de la Salsa, siendo definitivamente el más representativo del movimiento y referente e influencia obligada para otros trombonistas
en la foto Barry Rogers, Chombo Silva.y Chocolate Armenteros

sexteto Juventud - Cronología



1962

En el día de las Madres, 13 de mayo de 1962, se funda el Conjunto Rítmico Juventud, que luego se convertiría en el SEXTETO JUVENTUD. Estuvo conformado durante algún tiempo por : Olinto Medina como director y bajista, Juan Medina en la guitarra, Arturo López como vocalista, Elio Pacheco en la tumbadora, Carlos Croquer en la Batería, Isaias en el bongó.

1963

El percusionista Elio Pacheco al verse impedido de permanecer en la agrupación, recomienda a su amigo Olinto Medina al bongosero Carlos Quintana.

1964


Progresivamente la agrupación iba ganando adeptos en el público de la ciudad.

1967

El 22 de febrero, graban su primer 45 rpm, con los temas : Guasancó y Cautivo.
El 11 de junio se anuncia la publicación de su primer LP : GUASANCÓ

El 24 de septiembre se anuncia su segunda Producción : MÁS GUASANCÓ.


1971

Sobreviven como agrupación de Salsa ante la avalancha del Pop, y graban “Ritmo Pop” con : Caramelo y Chocolate.
Graban el LP : “La Magia del Sexteto”, en donde se insertan temas como : Caramelo y Chocolate ; Con todas las Banderas y Sandra Mora (diez años antes de ser grabado por Naty y su Orquesta).
Sexteto Juventud graba los LP’s : Boleros y A Todo Ritmo.
Ganan el Disco de Oro de Velvet.
En el Centro Nocturno : “Mi Vaca y Yo”, se tuvo que suspender una contratación, debido a la avalancha de personas, que superaban la capacidad del recinto.

1972

Graban los LP’s EN TODO y en mayo el LP : EL SONIDO DEL SEXTETO, con temas como : Sonerito, Tu Mentalidad.
A finales de año graban el LP : EL NÚMERO 12 DEL SEXTETO, con éxitos como : Amor Imposible.



1973

En Marzo se vence el contrato con el Sello Velvet, y se renueva la agrupación, cuando varios músicos del Sexteto Juventud se separan y forman el Sexteto de Tabaco.
En abril se anuncia una cuarta gira internacional, en esta ocasión hacia Puerto Rico, ya antes habían viajado a Colombia, Aruba, Curacao y Bonaire.
En el día de las madres, 13 de mayo debutan los nuevos integrantes del SEXTETO JUVENTUD : Pedro Viloria en la tumbadora, Paul Rosales (vocalista), Alfredo Francheski (timbalero), Miguel Pacheco (bongó), Raúl Parada (Tres y guitarra) y Olinto Medina como bajista y director.


En el mes de agosto se anuncian a los nuevos integrantes y de una nueva grabación :
En el mes de septiembre se anuncia el LP : AQUÍ EL SEXTETO, en el cual participa Carlos Quintana Tabaco por última vez, con temas como el gran éxito : El Pato, Santo Negro, entre otros.


1974

En Enero se comienza a grabar el LP : LO ESPIRITUAL DEL SEXTETO JUVENTUD, con temas como : Espiritualmente, Ahora es mejor, Vestida de Blanco.
Se integra José “Cheo” Navarro al Sexteto Juventud.
Comienzan a grabar con DISCARACAS

)
1975

El Sexteto Juventud participa en el Primer Festival Mundial de la Salsa en el mes de febrero en el Poliedro de Caracas.
Para una entrevista en el mes de mayo, los músicos son : Alberto Francheski, Raúl Parada, Olinto Medina, Nelson Nava, Pedro Viloria y Alberto Francia. Anuncian su LP 17 : EN SU 10º ANIVERSARIO, con los exitosos temas : Alma Llanera, Cosa Mala, Changa Güere, entre otros.
En octubre se presentan en el Internado de los Teques. Con el mismo personal.


1976

En el mes de mayo se anuncia a través de los medios, el cambio de estilo del SEXTETO JUVENTUD, añadiendo un piano, dos trompetas y un trombón, quedando EL NUEVO SONIDO DEL SEXTETO JUVENTUD, con la siguiente conformación : Olinto Medina, Enrique “Culebra” Iriarte, Nelson Nava, Héctor Talli en la tumbadora, Alfredo Francheski, Alberto Francia, Jesús Vega en el bajo, César Pinto y Carlos Blanco en las trompetas, Totín en el trombón.
Se anuncia la grabación de los LP’s ; EL NUEVO SONIDO DEL SEXTETO y SEXTETO JUVENTUD Y SU NUEVO SONIDO.
Sale Alfredo Francheski de la agrupación.
En diciembre viajan a Cali, Colombia, con Mauricio Silva como pianista.


1977

Entran a la agrupación el tumbador : Radamés Pimentel y se une a Mauricio silva, Alberto Francia, Carlos blanco, Israel Rebolledo “Totín”, Jesús Vega, Nelson Nava y Olinto Medina.
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Para el mes de julio el Sexteto está conformado por Olinto Medina, Nelson Nava, Carlos Blanco y Wilfredo Carías (trompetas), Israel Rebolledo (trombón) ; José Gómez (Piano), Jesús Vega (Bajo), Alberto Francia (Bongó) ; Gustavo Quinto (Tumbador).
1978

El trompetista Alfredo “Pollo” Gil entra como arreglista del SEXTETO JUVENTUD, graban : La que se fue y Saca la mano. Del LP : COCINANDO SALSA

En los Carnavales : Adalberto Santiago se presenta como cantante del Sexteto Juventud.

1979

Graban el LP. BRUJERÍA, con temas como : El Panadero y Pa’ la Villa, con los siguientes músicos : José Gómez en el piano, Juan Sánchez en el tres, Narciso Hidrobo (Bajo), Javier Plaza (Tumbadoras) ; Angel Utrera (Bongó) ; Erasmo Machado (Vocalista).
1980

Graban el LP. ES DIFERENTE, con el éxito : Rosa. Participa en la grabación : el carismatico Erasmo Machado “Pachanga” quien entra al Sexteto Juventud.

‘Crowdfunding’ para rescatar el legado musical de La 100



POR:
JAHEL MENDOZA
La campaña para recoger fondos estará abierta hasta el 24 de julio. Las donaciones se pueden realizar en la plataforma Uonset.
Uno de los lugares más representativos de Barranquilla, el estadero La 100, continua en la larga lucha por recuperar el legado musical que su fundador, Rafael Figueroa, más conocido como Ralphy Cien, en compañía de su esposa ‘la Mona’ Cuello, crearon en los años 50.

Más allá de ser un lugar para bailar salsa, La 100 era un espacio de convergencia cultural de la ciudad. Es por eso, que la familia del fallecido Ralphy lanzó el pasado martes una campaña de crowdfunding –recaudación de fondos masiva– con el fin de ejecutar las actividades propuestas en el proyecto La #100 Vive, el cual busca rendir tributo al salsero, así como recuperar y salvaguardar su legado.

La página para donar es uonset.com, una plataforma de crowdfunding que ya han usado artistas como Los de Adentro y Sidestepper.

La idea es rescatar la herencia artística de más de 5 mil acetatos originales que contiene canciones de Héctor Lavoe, Cachao, la Sonora Matancera y de otros cientos de intérpretes de salsa, bolero y guaracha en español, inglés e incluso francés; además de registros fotográficos de artistas como Celia Cruz y Rubén Blades, quienes visitaron el lugaran durante sus estadías en la ciudad.

En 2010 murió el fundador del estadero, y desde ese momento se comenzó a agudizar el que ha sido, según sus familiares, el mayor problema en la historia del establecimiento: la pérdida de clientes a raíz de la inseguridad que la atañían al sector de Rebolo, donde está ubicado.

A partir de entonces, sin el ímpetu de Ralphy y con la disminución de clientes, el lugar fue perdiendo el vigor y la vigencia de otras épocas. Precisamente, lo que busca recuperar ahora.

Las actividades. El proyecto La #100 Vive contempla diferentes actividades multidisciplinarias diseñadas para recuperar el estadoreo y convertirlo en un centro cultural, al tiempo que busca fomentar y cultivar los procesos creativos en la ciudad.

En este sentido, desde hace un par de semanas se han venido compartiendo a través de las redes sociales cápsulas informativas con información de la historia del estadero.

Así mismo, se está organizando el Baile La#100, el cual, de acuerdo con los familiares de Ralphy, permitirá vivir a los asistentes, una noche de la “época de oro de la música antillana”. El evento, que se llevará a cabo el 16 de julio y tendrá lugar en el Teatro Rex, ubicado en la carrera 45 No. 37-68, servirá para recaudar fondos, con los que se espera poder ejecutar las otras actividades del proyecto.

Del mismo modo se han ideado unas ‘charlotecas: Música y tertulia’, en las que las “leyendas vivas” de La 100 contarán su historia.

También se realizará un programa radial, en colaboración con la emisora Vokaribe, en el que se podrá disfrutar de una serie de historias y música exclusiva de La 100, además de una exposición itinerante del archivo histórico, el cual incluye las fotografías, afiches, anuncios y varios elementos recuperados del archivo del lugar son el resto de actividades que hacen parte del proyecto.

Las charangas típicas cubanas



REFLEXIONES Y VIVENCIAS Senén Suárez Hernández Las charangas típicas cubanas Fecha: 2007-12-18Fuente: CUBARTE

A la memoria de los Hermanos Valladares
Con los cuales aprendí muchos secretos del danzón.

(Cubarte).- Los medios instrumentales que se utilizaron para la interpretación de la contradanza; la danza, o danzón, en su primera etapa fueron los que componían la denominada popularmente orquesta típica o de viento. Como se menciona en el capitulo referente al danzón, este tipo de orquesta se componía de cornetín, trombón de cilindros o pistones, figle o bombardino, clarinetes en Do, dos violines, contrabajo, tímpani, güiro o calabazo.

Este tipo de orquesta gozó de popularidad en el siglo XIX, entre los amantes del baile. Pero en la segunda mitad de ese siglo alcanzó su máxima popularidad cuando el músico matancero Miguel Faílde y Pérez, creo la forma musical bailable denominada Danzón, por el impacto que produjo el nuevo género entre sus partidarios y detractores. La vigencia de este tipo de agrupación instrumental se prolongó hasta las dos primeras décadas del siglo XX, por aquella época empezaron a aparecer en Cuba las orquestas del llamado jazz-band.

Las charangas típicas sin piano

Las orquestas típicas o de viento, fueron sustituidas por pequeños grupos instrumentales denominados "Charangas", que comprendían los siguientes instrumentos: clarinete o flauta de madera de cinco llaves, violín, contrabajo, pailitas (Timbales) y güiro.

Como se puede apreciar fácilmente, en la composición instrumental de la "Charangas", esta no registra el piano. Alguna que otra vez, incluía el arpa cubana (de origen peruano o mexicano).

El famoso Pachencho cuyo nombre real era José Doroteo Arango y Padrón, fue el que mantuvo casi hasta sus últimos años de vida a la última “Charanguita” con arpa que se escuchó en La Habana. Sin embargo, la mayoría de las veces las charangas tocaban “al pelo”, término que en el argot de los músicos populares significaba que no tenían piano ni arpa

Antecedente de las charangas

La noche del 31 de julio de 1890, en la glorieta Saratoga de la playa de Matanzas, apareció un nuevo tipo de agrupación instrumental llamada Unión Armónica. Este grupo era pequeño y estaba integrado por los siguientes instrumentos: piano, flauta, violín y contrabajo. Por ese año, esta composición instrumental era denominada Bunga. Veinte años más tarde, con la inclusión de los timbalitos (pailas chicas) y el güiro, se le llamó Charangas u Orquesta Francesa de danzones . Es probable que al tomar esta última denominación Orquesta Francesa de Danzones derive de la influencia o cambio recíproco que se estableció entre la música del Sur de los Estados Unidos y la música cubana, toda vez que la música de esa región norteamericana está matizada por la influencia francesa.

La Charanga en La Habana

La nueva estructura musical creada por Miguel Faílde, tomando como base los elementos ya citados en las danzas y contradanzas tradicionales, fundidos con otros característicos de algunos bailes europeos (polea, rigodón, lanceros. etc) fue introducida en La Habana por su propio creador y también por Antonio Papaito Torroella y Raimundo Valenzuela.

Los nombres de Antonio Papaito Torroella, Leopoldo Cervantes y Antonio María Romeu se confunden en el origen de la Charangas utilizando el piano en nuestra capital. Todo parece indicar que después de la de Papaito Torroella, la que formaron accidentalmente Cervantes y Romeu estaba entre las primeras que sonaron en La Habana

Ampliación del personal y de los instrumentos de las charangas

Ya hemos dicho con anterioridad que la Charanga Francesa está compuesta de los siguientes instrumentos: piano, flauta de madera de cinco llaves, violín, contrabajo, timbales pequeños y güiro. Sin embargo, más tarde, se le adicionó un segundo violín también, y cuando las circunstancias lo permitían, se le adicionaba violonchelo y la viola.

La llamada orquesta gigante que dirigía Antonio María Romeu Marrero, también estaba compuesta por los instrumentos de las charangas y que pertenecían a la llamada orquesta típica (clarinete, trombón, trompeta). Esta orquesta estaba integrada por diez músicos y cantantes. La orquesta de "Antonio Arcaño Betancourt y sus Maravillas es otra de las agrupaciones musicales ampliadas. Cuando actuaba por radio tenía varios violines, dos violas, un violonchelo y se le añadía además una tumbadora alcanzando así la suma de catorce músicos y la denominaban "La Orquesta Radiofónica de Arcaño" en la emisora 1010, dirigida por los trabajadores cubanos

La técnica en el danzonero

Sobre la importancia del dominio de la técnica en el músico intérprete del danzón, expresa el musicólogo Odilio Urfé. Existe el criterio generalizado, entre los músicos sobre todo, de que el músico de Charanga (charanguero) adolece de una técnica instrumental de primer orden para la ejecución con interpretación de la contradanzas, danzas, danzones y otras forma instrumentales e inéditas de la música popular cubana. Se afirma además, que esos géneros no plantean problemas de ejecución interpretación, tales como para que un charanguero posea, a priori un equipo técnico instrumental de primer orden.

"Desde el siglo pasado la dedicación a estos menesteres exige del danzonero, tanto de orquestas típicas como de charangas, el cultivo y logro de una técnica óptima para figurar en las mejores orquestas populares, obtener los salarios más altos el respeto y admiración de los grandes músicos, y del pueblo en general. Los casos de Reimundo Valenzuela, Pedro Rojas, Pedro Pablo Diez, Corbacho, José Belén Puíg, Pablo Zerquera, y muchos danzoneros de las “típicas”., así como Tata Pereira, Reverón, Panchito Cruz, Virgilio Diago, Jesús Plá, Alfredo Brito, Armando Romeu Marrero, Pedro, Orestes, e Israel López, Elizardo Aroche, Juan L. Cabrera, etc , confirmada por los charangueros ampliamente la necesidad de estar en posición de una técnica amplia y conocimiento profundo del complejo musical para expresar cabalmente esta forma instrumental, Odilio Urfé.

Las orquestas de charangas en Cuba

El danzón fue creado por Miguel Faílde y Pérez en Matanzas. El prestigioso cornetinista había nacido en el poblado de Caobas, municipio de Guacamaro (hoy Limonar). Nacido el 23 de de diciembre de 1852.Y fallecido en Matanzas 26 de diciembre de 1921. Este pueblo de su nacimiento se encuentra muy cerca de la ciudad de Matanzas

Fue su padre don Cándido Faílde, renombrado músico gallego, quien a la vez fue su profesor y quien descubrió en su hijo las aptitudes que más tarde le permitieron dominar el cornetín, a la temprana edad de doce años, y hacer una carrera artística vertiginosa . Su progenitora lo fue Justa Pérez, parda libre natural de Matanzas.

Sus estudios musicales fue complementado por el distinguido maestro Miguel Jiménez Salazar (conceptuado en aquella época como el decano de los profesores de música de Matanzas), con él aprendió a interpretar el contrabajo y la viola”

El joven Faílde se desempeñaba en una orquesta para interpretar las contradanzas francesas e italiana.

“Como todo creador tuvo la idea de tomar distintos ritmos y frases musicales para realizar una composición la cual llamó “Danzón”, de la cual se valió de clarinetes trombones de vara, y de pistones, violines, cornetín, timbales, güiro, figle contrabajo etc.

El cinquillo fue una de las características de este ritmo, Con este modelo de agrupación estrenó su primer danzón el año 1879 que tituló Las Alturas de Simpson. A este grupo lo llamó Orquesta Típica de Danzones. Otros danzones que creó Miguel, lo fueron Antón pirulero, Los tiburones, La malagueña, A La Habana me voy, entre otros más.

“…El danzón en Matanzas y en toda Cuba resultó una explosión nacional, esta innovación rítmica y musical hizo que se crearan orquesta en todos los municipios del país.” Según el Diccionario de Helio Orovio. Miguel Faílde y su orquesta tocó su último baile en Los Palos el 1920, para morir un año después.

Este modelo de orquesta fue degenerando su estructura, para con el tiempo convertirse en Charanga francesa de danzones, los motivos pudieron ser económicos o facilismo, lo que es ciertoes que las charangas de danzones estaban constituidas por los siguientes instrumentos: piano, violines, contrabajo, flauta de madera y de cinco llaves, pailas (y no timbales), güiro y un cantante en ocasiones

La primera charanga escuchada por este comentarista lo fue la del pianista Antonio María Romeu Marrero. Jibacoa 11 de septiembre de 1876, La Habana 18 de enero de 1955, en la emisora radial RHC Cadena Azul esto sería por el año 1939-40.

Según algunos criterios el primer impactado por el danzón lo fue este músico, el cual se pasó toda su vida ejecutando este ritmo a excepción de algún bolero, se comentaba que había escrito más de 1 500 danzones”.

Su primera orquesta la creó con los siguientes músicos: Feliciano Facenda, y su hijo del mismo nombre violines, A. M. Romeu Piano, Francisco Delabart (Panchito flauta mágica), Flauta, Fernando Collazo, cantante, Juancito, paila, José Calazan, contrabajo, y Félix Vázquez, güiro. Después realizó cambios y entra a cantar Barbarito Díez.

“Antonio María Romeu, el 22 enero de 1899 se trasladó a la capital para interpretar danzones solamente con un güiro en el café La Diana, más tarde grabó un Lp tocando de igual forma .donde obtuvo tanto éxito que muchos años después el ingenioso ciego Frank Emilio Flyn grabó los danzones del viejo de igual forma. Yo tuve el privilegio de mantener una amistad con el viejo quien me montó dos obras mías con los títulos de Bendita Imagen y Barracon cantada por Barbarito Diez, de lo cual me sentí orgulloso.

Aunque las orquesta típicas de danzones estaban creadas por instrumentos de vientos en su mayoría y no tenían cantantes, las charangas tenían otro estatuto sobre los sonidos, el público las siguió llamando orquesta, omitiendo las diferencias”

Por el libro Iconografía del Danzón, Creadores e intérpretes, Recopilación Coordinación de Ezequiel Rodríguez La Habana 1967, sabemos que este musicólogo, realizó un trabajo con una paciencia inigualable y una sabiduría, como para que todos los amantes de este género musical no lo olviden.

Queremos consignar especialmente que este libro que contiene aproximadamente 190 importantes fotos sobre el danzón y la charangas en Cuba, tiene además trabajos de los musicólogos Ángel Vázquez Millares, Odilio Urfé, Argeliers León y Ezequiel Rodríguez.

Bibliografía consultada

Iconografía del danzón Recopilación y Coordinación, Ezequiel Rodríguez.

Apuntes. Ángel Vázquez Millares

“De la contradanza al danzón”. Argeliers León.

Apuntes. Odilio Urfé.

Las Vitrolas - Ciro Bianchi Ross



Las victrolas
Por: Ciro Bianchi Ross

En Cuba, hasta 1959, la victrola formó parte del paisaje.

Las había en los bares, fondas, cafés, prostíbulos, ¡las bodegas!... Eran, dice el musicólogo Cristóbal Díaz Ayala, «el medio más efectivo para lograr que la música grabada reflejase realmente las preferencias del público [que] decidía lo que quería oír, y votaba con su dinero por sus preferidos».

Bastaba con introducir una moneda en la ranura dispuesta para ese fin y aquella máquina dejaba escuchar la pieza musical que se le había pedido. Eran asimismo, y lo recuerda también Díaz Ayala, el cliente más importante de la industria disquera. Como esa industria ya en esa fecha estaba totalmente en manos cubanas, las victrolas absorbían cada año cerca de tres millones de discos de producción nacional.

Había entonces una música victrolera. Aquella que hablaba de infidelidades, traiciones, amores contrariados o imposibles, desengaños, crímenes pasionales y en la que la mujer, flor de perdición, era siempre impura y aún así se seguía amando. Cantantes hubo en la época que debieron su éxito a la victrola. Orlando Contreras, Ñico Membiela, José Tejedor y Blanca Rosa Gil, por ejemplo, fueron cantantes popularizados por esos aparatos eléctricos. Y otros muchos siguieron siendo intérpretes victroleros aun después de que las victrolas desaparecieran.

Había una especie de cadena en la industria musical. El radio detectaba la preferencia del público. Esa preferencia decidía la grabación discográfica. Y la televisión difundía al cantante ya popular para hacerlo más popular aún.

En ese ciclo, la victrola desempeñaba un papel nada desdeñable. Ponía en evidencia a los cantantes de mayor pegada. Podían cantar mejor o peor, pero tenían taquilla, y los que controlaban el negocio tomaban en cuenta sus nombres a la hora de decidir las grabaciones.

El año 1958 y lo que viene
Dice Maritza Díaz Alonso en su libro El ámbito musical habanero de los 50, que las primeras noticias sobre la práctica de grabaciones en Cuba se remontan a 1893, con la existencia de la Casa de Fonogramas Edison. En 1897 esa empresa realizó un fonograma con la cantante cubana Chalía Díaz Herrera, quien al año siguiente grabó la habanera Tú, de Eduardo Sánchez de Fuentes.

No fue hasta 1910 y, sobre todo, después del fin de la I Guerra Mundial, cuando la música cubana logra una «difusión intencional y extensiva» gracias a la presencia de las firmas norteamericanas Víctor Talking Machine Co., que desde 1904 se hacía representar por la casa Humara y Lastra, de la calle Muralla, y la Columbia Phonograph Record Co., representada, desde 1908, por los Hermanos Giralt.

Es la Víctor la que introduce y populariza sus Victor’s Talking Machines. Es decir, las victrolas, voz que no recoge el Pequeño Larousse, y que el Breve diccionario de la lengua española, del Instituto de Literatura y Lingüística, incluye como sinónimo de vitrola, máquina que reproduce automáticamente el sonido grabado en discos cuando se le inserta una moneda.




Pronto se extendió el invento por los establecimientos comerciales y ya en la década de los años 40, y tal vez desde finales de la precedente, desempeñó un importante papel en la difusión y comercialización de la música popular. Prodigaba, a toda hora, la guaracha de moda o el bolero más quejumbroso. Ya en 1954 había unas 10 000 victrolas en la Isla, y en 1959 el doble de esa cifra, aunque sus operadores tenían declaradas solo 8 000 a fin de burlar los derechos de autores e intérpretes.

«Sin entrar en consideraciones de orden estético sobre la calidad del producto comercial ofrecido, lo cierto es que la victrola constituyó un símbolo de cultura popular y una de sus más significativas vías de expresión. Para tener una idea de su relevancia, baste con decir que dichos artefactos obraron como decisivos voceros de la música popular, manifestación que posee un peso gigantesco dentro del espectro cultural cubano», afirma la musicóloga colombiana Adriana Orejuela en su libro El son no se fue de Cuba, fruto de la pasmosa investigación acometida por la autora, que me permito recomendar al lector.

Durante un tiempo los cantantes cubanos, fichados por los representantes de casas disqueras norteamericanas, debieron ir a grabar a Nueva York o New Jersey, hasta que la Víctor empezó a enviar equipos de grabadores dos veces al año.

Esa casa disquera, sin embargo, pierde su hegemonía alrededor de 1950, cuando firmas cubanas empezaron a hacerle una competencia de peso. Ya en 1944 había surgido el sello cubano Panart, que diez años después producía medio millón de discos anuales y exportaba el 20 por ciento de estos. En 1952 se funda el sello Puchito, y a partir del año siguiente la casa disquera Montilla Internacional logra un amplio catálogo de zarzuelas cubanas. Surgen también los sellos Gema, de los hermanos Álvarez Guedes, y Rosell Récord, de Rosendo Rosell, y, entre otros más, Discuba, Kubaney, Velvet y Maipe.

Es Panart la disquera que graba el primer chachachá y lleva a la placa negra el tema afro, con Merceditas Valdés y Celia Cruz acompañadas de tambores rituales; difunde música navideña con villancicos cubanos e inicia una línea de música «culta» con obras de Cervantes, Ardévol y Edgardo Martín, interpretadas por la Filarmónica de La Habana.




La rumba más auténtica tendrá su espacio por primera vez en 1955, cuando Puchito produce un disco de los Muñequitos de Matanzas, en tanto que en esa misma fecha Kubaney se anota un tanto significativo cuando Esther Borja canta, a instancias de Luis Carbonell, piezas cubanas a varias voces, grabando y regrabando su voz; toda una hazaña para la época, realizada en los estudios de Radio Progreso, que dio como resultado lo que hoy se considera uno de los grandes logros discográficos cubanos de todos los tiempos.

El hit parade de 1958, dado a conocer tres días antes del triunfo de la Revolución, incluía en orden descendente de preferencia y con sus correspondientes intérpretes, los siguientes títulos: Añorado encuentro (Vicentico Valdés), La medallona (Pedrito Rico), Cubita cubera (Orquesta Aragón), El madrugador (Orlando Vallejo), y Picolissima serenata y Regresa a mí, interpretadas ambas por Lucho Gatica. También Maracaibo oriental (Benny Moré), La escalera (Pedrito Rico), El limpiabotas (Orquesta Aragón), y Como engañan las mujeres (Los Llópiz). Aparecían asimismo en la lista Pekinesa (P. Rico), Calladito amor (Mercy Castillo), La noche de anoche (en versiones de Fernando Álvarez y Olga Guillot), Señora luna (Hermanos Silva), y Allá tú (L. Gatica).

En 1959 llega el éxito a Total. Su autor, Ricardo García Perdomo, se había inspirado para componerlo en una mujer a la que vio solo una vez y de manera fugaz y que nunca sabría que motivó aquella pieza. Por razones que desconocemos García Perdomo guardó su bolero durante más de una década. Saldría al mercado en 1959 y en diciembre de ese año acumulaba ya cuarenta versiones, entre estas las de Gatica, la Guillot, Fernando Álvarez y Bertha Dupuy, que había sido la revelación artística de 1958. Ñico Membiela lograba vender en Cuba 15 000 copias de la suya, y Celio González, en México, vendía 53 000, a solo tres meses de haberla grabado.

En esa fecha (1959) acumulan éxitos Imágenes (Frank Domínguez), En la imaginación y Deja que siga solo (Marta Valdés), y Son cosas que pasan (Ela O’Farrill). Adolfo Guzmán estrena Libre de pecado. Vicentico Valdés da a conocer Los aretes de la luna. Y Benny Moré mantiene su cetro con Amor fugaz.




Se lanzan al ruedo artistas que logran una popularidad arrolladora en corto tiempo. Tales son los casos de Blanca Rosa Gil (La Muñequita que Canta, como fue conocida), que se atrevió a alternar en el Ali Bar con pesos pesados como Benny Moré, René Cabell y Fernando Álvarez, y salió airosa. Lo mismo ocurrió con Membiela, prácticamente desconocido, pese a sus años en la música, y que se convirtió en un suceso victrolero sin precedentes. Vallejo se hizo popularísimo gracias a la victrola; y Tejedor, que con En las tinieblas dio inicio a su larga carrera de triunfos. Un año intenso, sin duda, también en lo que a la música se refiere.

Alegría de la calle
Se pregunta Adriana Orejuela en su libro aludido: ¿Qué condiciones debía poseer un número o artista para convertirse en victrolero? ¿Qué tipo de resortes movían al público a pagar una y otra vez para escuchar determinada pieza en la victrola? ¿Por qué motivos algunos cantantes de probado talento no conmovían a los habituales de las victrolas como lo hacían otros de menos cualidades? Precisa la Orejuela más adelante: La calificación de victrolero era aplicada por los dueños de sellos a los intérpretes que vendían grandes sumas de discos sin importar el género. Un cantante podía ser victrolero siempre y cuando lograra rendir altos dividendos.

El 1ro. de enero de 1959, el pueblo destruyó los parquímetros, las máquinas traganíqueles y los garitos, así como los salones de juego de los hoteles Plaza, Sevilla y Deauville. El día 8 las nuevas autoridades tomaban la determinación de suprimir los casinos, cerrados con el triunfo mismo de la Revolución. No resultaba fácil aplicar tal medida, porque de la infraestructura del juego vivían entonces unas 10 000 familias que serían empujadas al hambre. Hubo protestas por parte de los empleados del sector y el Gobierno Revolucionario fue receptivo a la demanda.




El 19 de febrero reabrían sus puertas, con muchas regulaciones, los casinos de lujo; continuarían atrayendo a visitantes extranjeros y cubanos adinerados y no afectarían la economía popular, pero se prohibían los bingos, las traganíqueles (ladronas de un solo brazo) los garitos de chinos y los tugurios de barrio.

Fue entonces que saltaron a la luz los estrechos vínculos que existían entre las máquinas traganíqueles y las victrolas, controladas por lo general por los mismos personajes y con muchas anomalías en su operación. Se decidió también entonces prohibirlas en bodegas y establecimientos abiertos. Nuevas protestas. El Centro de Cafés de La Habana arguyó que sus asociados no eran en su mayoría responsables de los malos manejos que, en cuanto a las victrolas, amparó la dictadura recién derrocada y eran víctimas de las contribuciones ilegales que se les obligaba a pagar. Puso el grito en el cielo la industria del disco: la desaparición de las victrolas decretaba la bancarrota de las disqueras nacionales, que daban sustento a unas 50 000 familias.




Un columnista de Bohemia apelaba directamente al ministro del Interior del nuevo gobierno. Le decía: ¡Devuélvenos la alegría popular de las victrolas! Pero el Sindicato de Músicos era de una opinión opuesta: quería música en vivo en los establecimientos y aquellas máquinas cerraban a sus intérpretes una fuente de empleo. Era la de nunca acabar...

El 20 de febrero, sin embargo, se empiezan a otorgar nuevos permisos para operar las victrolas. No podían quedar cerca de hospitales, templos religiosos, escuelas, juzgados... De algunos lugares desaparecieron para siempre. Pero no por ello desaparecerían la alegría de la calle y la noche habaneras, y los cabarets, luego de haber permanecido casi vacíos durante los últimos cuatro meses de 1958, volvieron a abarrotarse.

De todas formas las victrolas estaban condenadas a desaparecer. De muerte natural. La noche habanera también se transformaba paulatinamente. En 1959, el mítico cabaret Sans Souci presentaba su producción Sabor y cerraba para siempre. En 1961 se eliminaban los casinos de juego y desaparecían el teatro Shanghai, de espectáculos pornográficos, y la Habana Sport, la única academia de baile que funcionaba para entonces.




En 1963 se decidía la clausura de los cabarets El Niche y La Taberna de Pedro, ambos en la playa de Marianao. Ya el año anterior se había inaugurado en Tropicana el salón Mambí y los círculos sociales obreros empezaron a nuclear el movimiento de la música popular bailable, en reemplazo de los jardines de las cervecerías, los centros regionales españoles y las sociedades de instrucción y recreo.




El periódico Revolución auspició durante varios años los bailables conocidos como Papel y Tinta, y la calle Infanta se cerró en fechas señaladas para que los habaneros, algo insólito en la capital, arrollaran en ella. Se multiplicaban los pequeños clubes nocturnos, y los combos con ellos, y el Instituto Nacional de la Industria Turística (INIT) exigía que en los bares se incluyera música en vivo.

Todavía existen victrolas en algunos centros turísticos. Son una atracción para los visitantes. Algunas, por obra y gracia del realismo mágico cubano, todavía funcionan. Pero la mayoría son piezas de museo.

Próximo programa Temática - Especial Tony Pabón y La Protesta



La orquesta conformada por estos inconformistas se llamó La Protesta y comenzó a grabar para un sello disquero de alcance también local: Rico Records. Esa nueva independencia que propugnaba el conjunto (en cierto modo parecida a la del Conjunto Libre) parecía impedirle grabar con las casas más establecidas, como Tico o Fania, o simplemente fue que ellas no mostraron mayor interés en el sonido de la orquesta. La Protesta tuvo su nombre en Nueva York, pero su radio de acción no se apartó prácticamente nunca de los límites ..
La única mención que hace César Miguel Rondón de Tony Pabón en su libro de la salsa es cuando lo agrupa dentro de ese grupo de músicos que no pudo completar el salto desde la sonoridad del boogaloo a la de la salsa brava, motivo por el cual su producción pasó casi inadvertida. Casi, porque en cada uno de los discos que hizo después de abandonar a Pete Rodríguez, se encargó de presentar algún número que dejaría huella entre sus bailadores de siempre. Hay que pensar también que la orquesta no tenía posibilidades de dar mucho más. A ver, La Protesta no suena mal pero muestra deficiencias como orquesta y su estilo se siente desactualizado con respecto a todo lo que estaba ya sonando alrededor. Digamos que le ocurrió lo mismo que a La Lupe, a los Lebrón Brothers o a Joe Pastrana: no supieron acoplarse a la sonoridad de la salsa. Se quedaron a mitad de camino.
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Junior González 10/05/2012





10 de mayo de 2012
9:27 a.m.
Muere salsero Junior González
Tenía 63 años y falleció en el Auxilio Mutuo
Por Damaris Hernández
El salsero Junior González falleció esta mañana a eso de las 8:00 a.m. en el Hospital Auxilio Mutuo, confirmó su hija. Tenía 63 años.
El vocalista, con 40 años de carrera en la música, estuvo delicado de salud en los pasados días por problemas del páncreas y en el hígado.
Junior González nació en el 7 de mayo de 1949 en Coamo. Grabó discos con diferentes colegas de la música salsera como Ismael Miranda y realizó producciones discográficas bajo el sello Fania Records.
El salsero, además, fue una de las figuras principales junto a Celia Cruz y Cheo Feliciano en la primera ópera latina llamada “Hommy”, la cual se presentó con éxito en el Carnegie Hall de Nueva York y en Puerto Rico, según reseñó un blog especializado en este género musical.
En su larga trayectoria artística, Junior González ganó siete discos de oro y tres de platino.

Santiago Cerón 10 /05 /2011



10 /05 / 2011
Muere sonero dominicano Santiago Cerón en la ciudad de New York
El cantante salsero Santiago Cerón murió de un ataque cardíaco, luego que se le practicara un transplante de corazon en la ciudad de Nueva York.

Biografía:

salsero,compositor, sonero de lírica voz, nace en Sto. Domingo (Julio 25/1940), se gradua con excelentes calificaciones del Centro de Bellas Artes, voz profesional de la radioemisora La Voz Dominicana, se recoliza en la ciudad de New York(1963),donde llega su opurtunidad de conocer y grabar con el legendario Arsenio Rodríguez y su Conjunto (1964/1966). Invitado especial como corista /cantante para la Orquesta de Mr. Pete “Conde “ Rodríguez.

Luego en colaboración con Tony Pabón y La Protesta graba su LP titulado “ Salsa y Pimienta.“. En 1976 / 1980 firma contrato con el sello Fania como cantante corista, güiro y maracas; acompaña la orquesta de Héctor Lavoe y Adalberto Santiago.

Inicia su carrera como solista, firmando con el sello Mary Lou Records, donde grabaría varios LP'S que llevarían su nombre al exito internacional: “ Abriendo Puertas “ “Navegando con Sabor” “Canta Si Va A Cantar”, bajo la dirección musical de Mr. Luis Perico Ortiz y un grupo fenomenal de músicos: Luis Mangual (Bongo), Eddie Montalvo(Conga), Charlie Rodríguez (Tres), Eric Figueroa (Piano), Eddie ‘Guagua” Rivera (Bajo), Cachete Maldonado, composiciones del señor Ramon Rodríguez, Loui Ramírez en los arreglos, Tito Nieves, Isidro Infante, Sonny Bravo, Marty Sheller.
Para Sabroso Records,con el director Ramon Rodríguez, Ramon Orlando Valoy en el piano, graba su LP "Siempre Duro".

En 1989 con el sello Combo Records graba sus LP's “La Vecina” “A Mi Manera”. “Desde Santiago de Cali” con Discos Fuentes 1990s.
Bajo el sello Leomar Racing Productions en 1994 “Mi Campeon Jukin”, donde rinde un sentido pero muy doloroso tributo a su fallecido hijo Eddy, y en 1995 ‘Homenaje Al Gallero Palmasola”, con el director musical y piano de Roberto Navarro, Yomo Toro (cuatro), Raymond Castro y Milton Cardona en los coros. Bomberito Zarzuela en la trompeta. En 1999 con el sello Exclusivo Records “Las Cuarenta” y luego “Que
Murmuren”.

Luis Perico Ortiz - Sabroso



Tin Marin 6:34
Donde Yo Nací 5:39
Mas Amor 5:42
La Bolita 5:38
Caminos 7:34
Bohemio 7:23
Mensajero De La Salsa 7:30

Don Azpiazu - Justo Ángel Azpiazu



Director de Orquesta de Baile. Cienfuegos, 1893 - La habana 1943. En 1930 viajó con su orquesta a Nueva York, donde debutó el 26 de Abril del mismo año nuevo en el Theatre Palace, con Julio Cueva como trompetista, Mario Bauzá clarinetista y Antonio Machín cantante. En esa ciudad grabó sones y otros géneros en Inglés. En 1931 volvió a presentarse en el mismo Teatro. Estos éxitos lo llevaron a hacer una gira por varias ciudades de Estados Unidos con la cantante norteamericana Marion Sunshine como intérprete de El Manicero. En 1932 Azpiazu viaja a París y esta ciudad impuso el son. Según Alejo Carpentier "La orquesta de Don Azpiazu es una obra maestra: la obra maestra de su director ...". Después de actuar en París y de dirigir la orquesta que acompañó a Carlos Gardel en el filme "Espérame", esta orquesta realizó una gira por varias ciudades de Europa. A fines de 1934 regresa a Cuba, en 1937 regresa a Nueva York para hacer varias grabaciones y posteriormente vuelve a Cuba donde permanece hasta su muerte

Efemérides de Hoy Noro Morales




Compositor, director de bandas, trombonista y pianista. Natural de Puerta de Tierra, en San Juan, Norosvaldo ("Noro") Morales nació el 4 de enero de 1911 en el seno de una familia musical. Su padre, Luis Morales, era violinista y desde temprana edad Noro y sus hermanos se sumaron a un proceso de educación musical que los convirtió en grandes ejecutantes. Comenzó su formación estudiando trombón y bajo, al tiempo que sus hermanos se desarrollaban en otros instrumentos: Ismael (Esy) estudió flauta y saxofón; Humberto, percusión; José(Pepito), saxofón; Luis, violín y Alicia, piano.

Cuando apenas tenía trece años de edad, se mudó junto con su familia a la ciudad de Caracas, en Venezuela. Su padre había sido invitado por el entonces presidente venezolano Juan Vicente Gómez para fungir, junto a sus hijos, como la orquesta oficial del régimen dictatorial. En 1930, Noro y sus hermanos regresan a Puerto Rico.

La agrupación se desintegró pero el pianista continuó sus ejercicios musicales participando en las orquestas de Ralph Sánchez y su sinfónica, Augusto Rodríguez y sus Midnight Serenaders, Carmelo Díaz Soler y Rafael Muñoz.

Durante su estadía en la ciudad de Nueva York( 1937) se lanzó a la faena de reorganizar la orquesta de su familia, nutriéndose del talento de sus hermanos, Ismael, Humberto, José, Luis y Alicia junto a quienes se dio a conocer como la orquesta de Los Hermanos Morales, amenizando en el legendario club El Morocco. En el 1938 la rebautizó como Noro Morales y su Orquesta. Temprano en la década de 1940, Noro residía en un apartamento justo en el mismo edificio donde vivía el compositor boricua Rafael Hernández Marín y su hermana Victoria. Cada vez que a Rafael Hernández se le ocurría una idea nueva para una melodía, recurría a casa de Noro para componerla en su piano, muchas veces con su asistencia. Por eso, y como un gesto de buena voluntad, se encargó que su colega y compatriota fuera el primer músico en grabar aquellas melodías que resultaban de sus encuentros e intercambios amistosos.

De esa manera, el 15 de junio de 1938 asistió a los estudios de Columbia Records a grabar el tema "Ahora Sí Somos Felices", que vocalizó su cantante Pedro Ortiz Dávila ( "Davilita"). En enero de 1942 grabó "Serenata Rítmica" provocando furor tanto en el público latino como el anglosajón. El éxito de ese tema también le ganó la oportunidad de trabajar como músico en un proyecto cinematográfico que estelarizó Jorge Negrete y que fue todo un éxito, al punto que convirtió a la rumba "Serenata Rítmica" en un tema emblemático de la puertorriqueñidad desde la diáspora. En su época de oro integró la Orquesta de Xavier Cugat.

La popularidad de Noro Morales estuvo inscrita en su virtuosismo en la interpretación del piano, su liderato como director de orquesta y su hábil y espléndido desempeño como compositor. Tanta fuerza generó su presencia en los escenarios musicales latinos de Nueva York en los años' 40 y 50 que figuras de la talla de Xavier Cugat, entre otros muchos, no ocultaban su admiración por las melodías del pianista y gozaban de asistir a sus presentaciones para deleitarse con sus formas de ejecución.
"Su estilo y su sensacional sentido de ritmo, y su portentosa precisión, lo convirtieron en el número uno de las improvisadores de montunos interpretados en rigurosos tiempos de rumba", relata el historiador Max Salazar. Noro Morales, que se convirtió en uno de los vendedores de discos más fuertes en el mercado de los años 40, fue poseedor de un sentido rítmico maravilloso que, según los expertos, arropaba al piano y suministraba sentido al contrabajo, las conga, las maracas, el bongó y los timbales.

En la década de 1940 no hubo un club nocturno de prestigio en la ciudad de Nueva York que Nora Morales no hubiera pisado.
Su presencia en los escenarios lo convirtió en el músico de los músicos, además de haberse convertido en el líder de la principal orquesta de rumba en Estados Unidos y Puerto Rico cuya versión de "Tea for two", grabada en 1947, lo llegó a colocar como la figura más popular de la música latina. Hizo presentaciones en los clubes mas famosos de New York: Stork Club, Copacabana, La Conga, and China Doll nightclubs. El New York Daily News seleccionó su orquesta para interpretar su prestigioso Harvest Moon Ball. No obstante, nunca olvidó sus raices de barrio latino de bajos recursos y continuó amenizando bailes en comunidades hispanas. Fue reconocido por el periódico La Prensa, como "El Rey de la Música Latina".

Para los latinos de Nueva York durante la década de los años 40s y a comienzo de los 50s, las palabras “Noro Morales” significaban música bailable excitante. Morales era un hombre obeso que media cinco pies y ocho pulgadas de estatura, y pesaba 280 libras durante la plenitud de sus años. Noro era un héroe puertorriqueño en los años 40s, principalmente por dos razones; la primera, porque algunos de los títulos de las canciones que él escribió llevaban los nombres de varias ciudades de Puerto Rico, y la segunda, porque sus trabajos contenían líricas de Rafael Hernández, las cuales exaltaban la cultura de la isla (1,2). Fue, precisamente, en 1947 cuando la banda de Nora Morales compartió escena frente a frente a la prestigiosa orquesta de Bobby Byrne, en el Glen Island Casino. Ese mismo año reclutó en su batería de músicos el talento del cantante boricua Pedro Rodríguez ("Pellín").
"Nora y yo comenzamos a cantar en 1947 en el (club) China Dolí. También trabajamos en El Palledium con muchos grupos, entre ellos José Curbelo, Tito Puente, la orquesta El Nuevo Ritmo de Cuba y con Joe Fajardo y sus Estrellas. Eran los años de oro de la música latina y en los que Miguelto Valdés, Noro y Machito eran llamado los tres grandes", narró en una ocasión Pellín Rodríguez, en una entrevista realizada por Izzy Sanabria y publicada en 1974.

La orquesta de Noro fue seleccionada para tocar en la posesión del gobernador de Puerto Rico. Un empleado de MGM Records, quien asistió, quedo estupefacto por la música de Noro y le firmó un contrato de grabación. Las grabaciones de Noro de “Puerta de Tierra”, “Chen Chen Ko”, “Isla Verde”, “Capullito de Alelí”, “El Sopón”, “The Peanut Vendor”, “Ponce” y “110th Street and Fifth Avenue”, hicieron de Noro un desafió para Machito. “Ponce”, compuesta por Rubén Berrios, y “110th Street and Fifth Avenue”, por Noro y su trompetista líder, Paúl López, recibieron el mayor apoyo de la radio y de las ventanas de los edificios abiertas, a través del Spanish Harlem (1,2).

La popularidad de la orquesta del aclamado "Rumba Man" comenzó a declinar en los años 50 porque -cuenta el historiador Max Salazar- el músico se negó en complacer al público norteamericano no latino y, a la vez, suavizó su música y perjudicó su reputación ante el público latino que compraba sus discos. De esos años recuerdan las melodías de "Sweet Sue, Just You", "Sheik of Araby", "Song for Rouling Rouge", "Fantasía Mexicana", "No Other Love", "Am I Blue", "Me and My Shadow" e "Istanbul", entre otras. Empero, en 1958 el pianista aparece con el tema "No Blues Noro", grabado para Tico Records, y con el que recobra su sitial. Al arribo del año 1960, Noro Morales regresó a vivir a Puerto Rico, con el ánimo pulverizado y algo enfermo como consecuencia de su condición diabética, al punto de llegar a pesar cerca de 300 libras. La casa discográflca Ansonia Records le produjo los álbumes "Vitamina" y "Mi guajira", al tiempo que se desempeñó como director musical del hotel La Concha en el sector de El Condado, en San Juan.

Por su banda pasaron estrellas que luego alumbrarían con luz propia: Los cantantes Machito (finales de los '30), Tito Rodríguez (mediados de los '40), Pellín Rodríguez, Vicentico Valdéz, Dioris Valladares y Vitín Avilés; los percusionistas Tito Puente, Ray Romero (en el 1942), Sabú Martínez, Manny Oquendo y Rosario; el saxofonista y arreglista Ray Santos, y el bajista Julio Andino. Entre los músicos en su banda musical se encontraban Ray Santos, Jorge López, Raúl Carrero, Juancito Torres, Pin Madera, Ralph Kemp, Pepito Morales, Carlos Medina, Lidio Fuentes, Simón Madera, Ana Carrero, y Vitín Avilés, cantante. Dirigió la Orquesta del Hotel La Concha desde su regreso a la isla en el 1961.

Considerado por muchos como "El Duke Ellington latinoamericano", sentó la pauta para el desarrollo dé la musicalidad afroantillana en un preámbulo a la consolidación del sonido caribeño que dominó el escenario en los años 70 y que se denominó salsa. Fue, sin duda, una de las figuras más prominentes para el desarrollo salsero, al convertirse en la figura latina de más prominencia en el ambiente musical neoyorquino justo cuando las formas melódicas afrocaribeñas definían su curso. En el mapa de la música del Caribe, tres décadas antes del surgimiento de la salsa, Noro Morales fue la figura puertorriqueña de más valor como representante de la rumba y la guaracha.

No hay duda que junto a él otras personalidades de la canción popular -puertorriqueñas y cubanas- jugaron un papel también irrevocable en la confección de las nuevas estructuras sonoras de la música afroantillana, pero, quizás, ninguno con su forma de ejecución y su sensibilidad artística. "Era de los más grandes pianistas que ha tenido América. Su forma de expresión... esos dedos parecían ángeles. Son muy pocas las personas que tienen y han tenido el sentido interpretativo de Noro Morales, y eso es increíble. Jamás tocó, él acariciaba el piano porque Rene (Hernández) era muy bueno, pero Noro tocaba distinto, era un sabor diferente. Cuando la música popular puertorriqueña toma auge de grandeza ya Noro estaba allí. Simpático y buena gente, su trabajo tiene que aparecer en la historia cultural de Puerto Rico como una de sus primeras figuras", sentenció la veterana cantante Ruth Fernández, cuya voz unió al versado pianista en los años 60 para realizar un disco.

Es autor de: "Bim Bam Boom" (guaracha), "Indiferencia" (interpretada por Pellín Rodriguez), "María Cervantes", "No Puede Ser"(bolero), "Oye Negra" (guaracha), "Vitamina", "Walter Winchell Rumba", "What Happened, Baby", "Mi Guajira" (guajira), "Oye Men" (guaracha)...

Discografía: Adiós Muchachos, At the Harvest Moon Ball, Holiday in Havana, Let's Go Latin American, Mambo With Morales, Mambos y Guarachas, Miguelito Valdés Mr. Babalú With Noro Morales Orquestra, Noro Morales en su Ambiente, Noro Morales : His Piano and Rythm, Ritmos del Caribe. Rumba Rhapsody.

Quebrantada su salud por la diabetes, glaucoma y problemas renales, tuvo que ser recluido en el Hospital San Jorge. Allí permaneció hasta el 15 de enero de 1964, donde falleció a la edad de 53 años. Sus restos descansan en el campo santo Puerto Rico Memorial.

1. Salazar, Max. Mambo Kingdom. Originalmente publicado en el magazine Impacto.
2.William P. Gottlieb

Discografía
Let's Go Latin, American, Vik LX-1072
Mambo with Morales, Harmony HL 7039
Adios Muchachos, Riverside 97501
Holiday in Havana, Design DLP 86
Plays Cha Cha Cha's, Design DCF-1008
At the Harvest Moon Ball, Forum SF 9013
Mambos y Guarachas, Decca DL 4535
La Rumba Buena
Serenata Ritmica

La corneta china ni es corneta ni china



Los carnavales de Santiago de Cuba, nadie lo pone en dudas, son los más famosos de Cuba. Rivalizan con estos festejos populares el Santiago Espirituano, las Charangas de Bejucal, las fiestas manzanilleras donde el órgano oriental pone a bailar a todo el mundo, el San Juan Camagueyano con su típico ajiaco con tasajo, los bullangueros festejos remedianos y otros carnavales, sin dejar de mencionar a los de La Habana con el desfile fastuoso de las carrozas y la alegría de las comparsas, verdaderas muestras de ballets callejeros.
Pero a la hora de mencionar “un carnaval” todos pensamos enseguida en el de Santiago de Cuba, donde participa el pueblo "arrollando" al compás de los tambores a su paso por el Paseo de Martí y La Trocha. Las congas de Los Hoyos y el Tivolí son las más famosas desde tiempos remotos. Pero, ¿qué distingue a estas congas? Pues es el inconfundible sonido de la corneta china. Sin esta peculiar música anunciadora del paso de las congas estas dejarían de tener el sabor que poseen. Lo cierto es que el estridente ―aunque dulcísimo― sonido de la corneta china, es lo que distingue al carnaval santiaguero.
Pero, ¿de verdad que ese instrumento carnavalesco es una corneta de origen chino? Vamos a ver cómo elDiccionario Oxford de la Músicadescribe a la corneta:
"Durante siglos la familia de las cornetas consistió en un tubo de madera, generalmente cubierto de cuero, a veces el tubo era de marfil, recto o curvado en arco de círculo, o como dos arcos unidos en forma de "S" alargada invertida. La corneta propiamente dicha era recta o curvada en arco de círculo. Era pues un instrumento soprano".
Hasta aquí, más o menos, lo que dice el célebre diccionario sobre la corneta.
Ahora vamos a ver lo que refiere el músico santiaguero, clarinetista y saxofonista David Mesa Ibarra, quien es también luthier, o sea, fabricante de instrumentos musicales, en una entrevista publicada en el periódico Granma:
"Para lograr la mejor corneta china santiaguera, hay que poseer una madera preciosa, preferentemente ácana, baría o ébano (...) el secreto está en la boquilla del tubito cónico (de mayor a menor) de caña brava. Esa boquilla es la mágica, da el agudo. Las soldaduras deben ser de plata o de bronce con un baño de plata".
Como puede advertirse fácilmente, la llamada corneta china nada tiene que ver con la verdadera corneta. Lo que se escucha anunciando la conga es un intrumento de viento posiblemente originario de algún país asiático o árabe; me inclino a pensar en este último origen, porque en Bagdad pude percibir el sonido de un instrumento muy parecido al de la llamada corneta china.
La naturalización de la mencionada corneta seguramente le viene porque ―según afirma Mesa Ibarra en la mencionada entrevista― fue en el año 1903 cuando unos músicos santiagueros, a su paso por el Barrio Chino de La Habana, escucharon a unos chinos tocando una pequeña corneta elaborada con una caña de bambú.
Añade Mesa Ibarra que el sonido que producía aquel instrumento era muy suave y se llevaron uno de esos ejemplares para construir uno similar, pero que sonara bien fuerte; lo lograron y el resultado es lo que ahora escuchamos. Lo que no sabe es por qué lo incorporaron a las congas santiagueras.
Un famoso director de comparsas en Santiago, llamado Feliciano Mesa, fue el que tuvo la feliz iniciativa de incorporar aquella especie de corneta ―más bien cornetín― a la conga de Paso Franco que desfiló por La Trocha y que luego pasó a Los Hoyos. Me contó Miguel Matamoros que la conga de Los Hoyos ensayaba en un sitio alejado, cercano a Marimón, para que los comparseros de El Tivolí no pudieran copiar sus toques y así poder asombrar a los santiagueros en los carnavales.
De manera tal que la corneta china actual no se parece a la que vieron los parranderos santiagueros en 1903, y que tampoco se asemeja al instrumento descrito en elDiccionario Oxford, donde tampoco se menciona a China como lugar de origen.
Indudablemente que ese calificativo le vino porque fue en el Barrio Chino donde se escuchó, interpretado ―además― por chinos.
Dice la periodista Marta Rojas que "la famosa corneta china que conocemos es un hermoso híbrido de las originales cornetas genuinamente chinas", comentario con el que estoy completamente de acuerdo.
Estas cornetas santiagueras, en los primeros años del Siglo XX, las ejecutaban músicos situados dentro de la conga en un lugar más alto que las demás personas. Uno de ellos iba sobre los hombros de un fuerte estibador de los muelles; y en otro carnaval el cornetista iba montado sobre un burro.Viejos comparseros de Santiago me informaron que así se evitaba que resultaran agredidos por entusiastas de otros barrios.
Leído esto, podemos llegar a la conclusión de que la famosa corneta china no es propiamente ese instrumento, sino que como dice Marta Rojas es "un hermoso híbrido de las originales"; y tampoco son chinas las actuales, digo yo, porque nada indica que proceden del país asiático ya que son elaboradas en Cuba.
Así que tales cornetas, ni son cornetas ni tampoco chinas, pero sí verdaderos instrumentos musicales sin los cuales los célebres carnavales santiagueros perderían todo su encanto. ¿Podría concebirse un carnaval santiaguero sin ellas?
FUENTES:
―Scholew, Percy A.Diccionario Oxford de la Música.Editorial Pueblo y Educación.
―Rojas, Marta. “El secreto de la corneta china santiaguera”. PeriódicoGranma. 24 de julio de 2015.Pag.7.

Fuente enlace - http://www.sierramaestra.cu/index.php/titulares/6258-la-corneta-china-ni-es-corneta-ni-china

Tito Rodriguez ‎– Palladium Memories



Mamá Güela
Mi Último Fracaso
Yambú
Baranga
Let Me Out Of Here
A Los Muchachos De Belén
Si Te Contara
El Que Se Fue (No Hace Falta)
Faggott's World



El Que Se Fue (No Hace Falta) - Pablo J Barrs.



"EL QUE SE FUE" es un tema sarcástico que Tito le dedicó a Pat Rodríguez, el timbalero que precisamente está en la portada de este CD TITO AT THE PALLADIUM. Él abandonó la banda repentinamente dejando colgado de la brocha a Tito con su disgusto, ante eso, Tito llamó de vuelta a Papi Pagani y al morir este o marcharse, taen a Mike Collazo hasta el final de la historia de la banda. Pat Rodírguez así lo dice en una entrevista para una revista latina de salsa, ahora no recuerdo el nombre, pero creo que creo que era Latin Beat Magazine. Tito Puente nunca tocó en la orquesta de Rodríguez y por eso está descartado, lo demás son leyendas y mentiras. Soy amigo de Pat y (lo encontrarán en mi Facebook) me confirmó la historia. En la portada de este CD Obra Maestra están: Luis Goicochea (congas) - Pat Rodríguez (Timbal) - Tito Rodríguez (Timbalito) - Martha Correa (Bailarina cubana) - Eddie Palmieri (Piano) - Julio Andino (Bajo) - Monty Laazar (Tenor) y el trompetista no logro identificarlo, pero debe ser Harold Wegbreit. Saludos a todos y les recomiendo obtener este disco TITO AT THE PALADIUM considerado por muchos especialistas la obra cumbre de la música latina.

Jazz en Colombia desde los alegres años 20 hasta nuestros días - Enrique Luis Muñoz Vélez



Por: Enrique Luis Muñoz Vélez

Emprender la realización de un libro sobre la historia del jazz en Colombia es tarea difícil y compleja. Las fuentes sonoras son precarias y los archivos documentales son escasos. Así que lo que se expone en las páginas de este libro es la tarea diligente y dispendiosa del notable filosofo e investigador cartagenero Enrique Muñoz Vélez reconstruyendo el itinerario de agrupaciones y músicos; algunos hoy en el más completo olvido y presentando de trasfondo los cambios sociales en las apreciaciones musicales.

Es un primer intento por sistematizar y evaluar la aparición de este género musical en Colombia presentando las características de su implementación en nuestra cultura sonora.

Podcast Temática - Especial Día Internacional Del Jazz



Descarga los episodios Live Salsa Broadcast En esta oportunidad podemos escuchar a Arturo O'Farrill , Francisco Aguabella , Humberto Ramirez , Latin Jazz Quintet , Mario Bauza & His Afro-Cuban Jazz Orchestra , Armando Rodriguez & Victor Rendon Latin Jazz Orchestra , Ed Byrne's Latin Jazz Evolution , Mark Levine & the Latin Tinge y muchos más .




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Aka jacoviche Conocido también como Jacoviche Melomania (en el mundo virtual ) y como Jaco-Bicho (en el submundo de la salsa de Barcelona), este apasionado del golpe latino, , trae de cabeza a todos los salsofilos, rumbofilos y a todos los guillaos del ambiente latino de Barcelona. Su pasión lo lleva a tratar de conocer hasta el más mínimo detalle de los temas; compositores, autores , arreglistas,
versiones, giras y, en fin, todo lo que tenga que ver con nuestra cosa.

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Salsa y placer hasta vencer

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El Molestoso Enrique Romero Cano (1958-2016)

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